Fotograma de “Dripped”

Nueva York en los años cincuenta. Los últimos coletazos del be-bob resuenan en los concurridos y mugrientos garitos de jazz de la Gran Manzana.  Un  artista inquieto llamado Jackson Pollock  deambula  por  galerías y  museos de la ciudad neoyorquina intentando encontrar a duras penas y con sufrimiento su estilo,  su camino.   Anda enfrascado en su búsqueda artística,  inmerso en una realidad apagada, pintando naturalezas muertas o imitando los trabajos de sus  más admirados maestros como Picasso.

Momento en que  Pollock descubre accidentalmente el “dripping”

Cansado de eso, decide salir en busca de su verdadera y única identidad creativa. Y dicha búsqueda, el director de esta genial animación  la presenta mediante una intriga de policías y ladrones, persecuciones y transformaciones varias, hasta que de la manera menos pensada,  Pollock finalmente digiere, se “come a los clásicos” para descubrir su característico  estilo conocido como el “Dripping”, germen  de un movimiento artístico fundamental  etiquetado como el “Expresionismo abstracto americano” o también, el  “action painting” que más adelante le daría fama internacional y un lugar destacado en la historia del arte.

Esta es la trama de este bello corto de animación realizado con una elegante estética “vintage” y una sugerente banda sonora, dirigido por Léo Verrier en 2011: “Dripped” , una inteligente y bella oda, tanto a  la figura de Jackson Pollock, como a cualquier búsqueda de inspiración e innovación. 

Dripped from ChezEddy on Vimeo.

Otros recursos relacionados:

• Pollock. El artista y el mito. El action-painting.
• Documental (en ingles) Portrait of an Artist: Jackson Pollock
• ¿Quieres hacer dripping sin  ponerlo todo perdido?:  Prueba con esta clásica  aplicación online para hacer “dripping”
• Pollock , la película ( Año 2000, dirigida e interpretada por Ed Harris)

JACKSON POLLOCK parte 1 from S e n t i r A r k i t e c t u r on Vimeo.

Los dispositivos móviles también van  a ocupar  su lugar en esta despensa. A nadie escapa el gran potencial  y popularidad que tienen las muchas  apps  que sirven hacer arte en sus distintas opciones (dibujar, pintar, retocar fotografías, etc…) a través de los dispositivos móviles como los smartphones o tabletas. Ya iremos hablando ellas en sucesivas entregas. Hoy nos vamos a centrar en el más exclusivo  campo de la escultura con dos de ellas:   Phizios Sculptor y iDough.

Phyzios Sculptor es una App  solo disponible para dispositivos móviles IOS  (para iPad, suponemos que también para iPhone)  que  puede ayudar también a entender los fundamentos de las técnicas artísticas tridimensionales y el volumen  a través de quienes dispongan de algunos de estos dispositivos, especialmente de  las técnicas  sustractivas como la talla. Tiene una versión gratuita que está muy bien para empezar, todo va  a depender de la disposición de la app en el iTunes store estadounidense, pues en el español parece -en estos momentos- no disponible .

Con una interfaz muy sencilla, podemos elegir la forma inicial (prisma, cubo, esfera, etc.)  y el material de la pieza tridimensional de la que queremos partir. Una vez elegida,  podemos empezar a trabajar y dar forma a nuestra pieza con diferentes herramientas. La pieza se puede girar para ir viendo el resultado.

En el siguiente vídeo ( en japonés)  se muestra cómo usarla, no he localizado ninguno aún en castellano, pero lo mejor es probar y experimentar, que seguro, al menos,  nos divertimos…

La segunda, es iDough que ya no es gratuita,  pues tiene un coste elevado para lo que es una app   (5, 49€  aproximadamente) pero lógicamente el potencial de la aplicación es muy superior que el de la anterior, con una interfaz que recuerda de lejos a Sculptris,  programa de modelado en 3D  del  que ya hemos hablado aquí, pues lo hemos propuesto en varias tareas de la asignatura de Volumen. Hay que destacar de esta aplicación la facilidad para trabajar con con los dedos, cosa que entusiasmará a los más pequeños artistas de la casa. También podemos resaltar los 30 niveles de  deshacer, como  la edición simétrica (activada/desactivada en cualquier momento), la fuerza de  los diferentes pinceles, el zoom de la cámara y la facilidad del control de la orientación. El  siguiente vídeo muestra el gran potencial de esta app

La rotoscopia es una técnica de animación que consiste  esencialmente en reemplazar los fotogramas de una filmación real por dibujos «calcados» sobre cada fotograma.  Así se transmite al dibujo la naturalidad y secuencialidad de movimientos, expresiones, luces, sombras y proporciones propias de la filmación original que sirvió de base para la animación.  Así está hecho el videoclip de Toro Y Moi  “Rose Quartz” que encabeza esta entrada.

Antes de la era digital,  el trabajo se hacía a mano directamente sobre los fotogramas. Veamos, apara ilustrarlo este making of de  Kid Dream de The Jessica Stuart Few …

Y ahora mira  el resultado final   aquí  ¿Espectacular a que sí? Es una técnica con un gran potencial artístico.

Leemos en la Wikipedia que  desde principios del siglo XXI,  tras la así llamada «revolución digital», la técnica tradicional del rotoscopiado a mano  está prácticamente abandonada salvo en proyectos artísticos concretos . Fue reemplazada por otra técnica en la que ya no se trabaja sobre imágenes obtenidas por filmación tradicional sobre celuloide, sino filmadas y grabadas directamente en soporte electrónico digital y tratadas con software de edición de imágenes como Photoshop o incluso GIMP.  En el siguiente vídeo nos explican , por ejemplo, cómo usar un pincel de rotoscopia (rotobrsuh)  para Affter Efects  CS5

Dando un salto en el tiempo, podemos aventurar a decir que  Georges Méliès fue de los primeros en utilizar con fines  artísticos la rotoscopia,  en el sentido de que comenzó a  manipular,  trucar, pintar   y colorear  a mano los fotogramas de sus películas  ¡¡  el primer especialista de los FX en el cine !!

 Gracias a la genial profesora e ilustradora gallega   Luz Beloso  (o  su alter ego en las redes sociales como  Edu Plástica)  y su interesantísma  web  sobre animación  Frame by Frame,  he conocido algunos recursos sobre esta curiosa y artística  técnica de animación aplicada en el aula. Veamos un fragmento de una animación realizada con su alumnado de 3º ESO

Y  veamos ahora un videotutorial donde los propios alumnos del IES As Barxas explican   con bastante claridad en qué consiste la rotoscopia y cómo han realizado su videoanimación.  En su blog EduCortos explican todos los detalles.  ¡ Un proyecto excelente !

Tampoco es nuevo lo de utilizar los residuos de una sociedad muy productiva en cuanto a basura se refiere, y darles usos inesperados. Así sobreviven individuos y familias, cuya forzosa creatividad supera en ocasiones a la de muchos licenciados en esta escuela.

Fragmento del Manifiesto1 de Basurama

Proyecto “Todos somos cartoneros” Buenos Aires , 2011

Vamos a intentar dedicar una serie de entradas en nuestra despensa  a proyectos y colectivos  sociales o urbanos que de una forma o de otra fomentan la participación ,    la expresión artística o la creatividad en sus diferentes formatos, espacios y modalidades desde ámbitos independientes o alejados de las instituciones culturales.

Le toca inaugurar esta sección a   Basurama , un   colectivo social  multidisciplinar  cuyo interesante proyecto está dedicado a la investigación, a la producción y a la gestión cultural,  que ha centrado su área de estudio y actuación en los procesos productivos,  la generación de desechos que éstos implican y sus posibilidades creativas para el diseño o el arte, en especial en  entornos o espacios degradados de las grandes ciudades del mundo, donde más residuos se generan.

En abril de 2001 se realizó la primera acción de Basurama, un concurso de reutilización de materiales organizado por un grupo de estudiantes de la ETSAM

Basurama nació en 2001 y así lo cuentan en su web:

“…un grupo informe de estudiantes de la ETSAM (Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid) se unió para realizar diversas acciones con el objetivo de revitalizar ese ambiente. Así nació la primera acción de Basurama, realizada entre el 23 y el 27 de abril de 2001.

El festival basurama01 era una invitación abierta a estudiantes de todas las disciplinas —especialmente aquellas relacionadas en mayor o menor medida con el diseño y la creatividad— a experimentar con las posibilidades que ofrecen los materiales desechados. Con un presupuesto casi cero se construyó un pabellón con material recuperable cuya función era servir de espacio de almacenamiento de material, lugar de trabajo y exposición de resultados.

A lo largo de los primeros cuatro días de la semana el pabellón se fue llenando de materiales de diversa índole: lunas de coche, palés, trozos de maniquíes, cartón, metal, que el último día se transformaron en nuevos objetos con nuevas funciones.

El éxito de participación y la calidad de los objetos producidos fueron el motor para la realización de sucesivos festivales.”

Parque infantil realizado con materiales  reciclados| Imagen vía Kairós.asc

Lo interesante  de Basurama  es que es un asociación sin ánimo de lucro,  cuya sede es una nave del madrileño barrio de la Elipa , que se financia mediante crowdfunding  y que  está integrada por ocho arquitectos y un medio-ambientalista.  Ha centrado su campo de acción en reformar espacios urbanos degradados en más de 50 ciudades (Lima, Buenos Aires, Sao Paulo, Niamey, El Cairo, Bangkok, Seúl…),  tratando de “recuperar el valor de espacios urbanos que han perdido su uso inicial y, por tanto, están degradados”  según afirma Juan López Aranguren,  uno de sus fundadores en  www.eldiario.es.   Con este fin se apoyan en el reciclaje del  “interminable arsenal”  de productos no reutilizables que desecha la sociedad de consumo, a los que conocemos con el nombre de basura;  “les damos una segunda oportunidad”.  Además, como otro elemento sustancial en el proceso, se apoyan “en la participación de personas a las que su ubicación social también los ha dejado como colectivos al margen, como personas invisibles”. Muchos de sus proyectos sociales podemos encontrarlos tanto  en su página web como en su blog ( los enlaces están al final del post) para quien quiera mirarlos con mayor detenimiento.

Uno de sus miembros así presentaba Basurama en una charla TED en Madrid hace algunos años: “Visibilizar lo invisible”, vamos a escucharle …

Web: http://basurama.org/

Blog: http://www.basurama.org/blog/

Basurama en  Twitter y Facebook

Los programas CAD ( como Autocad, Qcad, Librecad, etc.) se usan para hacer proyectos y dibujos en 2D y 3D. Es un software que la mayoría de arquitectos, diseñadores e ingenieros necesitan. La mayoría de formatos que usan los usuarios de este programa son DWG y DXF. Ellos realizan sus proyecciones y dibujos en AutoCAD, pero cuando tienen que mostrar los proyectos a personas que no tienen este tipo de programa en su ordenador, los diseñadores siempre convierten los dibujos a PDF.
La técnica de creación de los PDF de cualquier formato es muy común, porque PDF es un formato universal para enviar y compartir archivos a través de plataformas diferentes.
Convertir los diseños CAD a PDF para su revisión o evaluación es una idea muy buena, porque toda aquel que usa ordenador puede abrir y ver los archivos PDF con el Adobe Reader que es gratuito y fácil de instalar – algo que no se puede decir de AutoCAD.
Lo más importante es que los dibujos DWG y DXF que se conviertan a PDF se verán exactamente igual que en el formato original. También debemos decir que PDF es un formato muy compacto que comprime los datos, así que puedes enviar los archivos más pequeño,s de forma más rápida y sencilla. Hay muchas razones para convertir estos archivos a PDF, ¿verdad?
Pero, hay un problema con los archivos en PDF. Cuando los reciben las arquitectos o diseñadores para continuar con el trabajo, los planos y dibujos que se encuentran en dicho archivo, no lo pueden editar. En estos casos es útil tener una herramienta poderosa para convertir PDF a AutoCAD.
Investintech.com tiene una solución para convertir estos PDFs, y es muy conocido. La opción de convertir PDF a DWG/DXF puede ser usada por usuarios de todas las plataformas populares: MS Windows, Mac OS y Linux. Esta herramienta poderosa es Able2Extract PDF Converter.

Además tiene varias opciones de conversión: PDF a Excel, Word, PowerPoint, HTML… Able2Extract es muy fácil de usar, y para que veas como funciona, tea muestro tres pasos sencillos que tienes que hacer después de instalación del software:

1- Abre el documento que quieres convertir de PDF a dibujos CAD.

2- Selecciona la parte del documento que quieres convertir – un dibujo, foto o parte del texto. Para seleccionar solamente un parte, tienes que hacer clic en Select Area y arrastrar el ratón. Si quieres elegir todo el documento, haz un clic a Select All.

3- Finalmente haz un clic en AutoCAD en la barra de herramientas y elige el formato que quieres: DWG o DXF. También puede hacer ajustes adicionales, como paleta de colores, y otros ajustes.

Los ajustes adicionales ayudan a los usuarios a personalizar sus conversiones, así tienen menos trabajo después de la conversión. Por último haz clic en Convert.

Able2Extract convierte los dibujos directamente en capas.

Si quieres ver si Able2Extract de verdad recupera los dibujos CAD desde PDF de manera rápida y precisa, y que permite a los usuarios manipular y editarlos, puedes instalar una versión gratuita y usarla por siete días.

Trabajos en cartón de Wrnking en su galería de  Flickr

En estos días estamos trabajando en la asignatura de Volumen con una tarea llamada “Jugando con las formas, jugando con el espacio” donde proponemos al alumnado que  a partir  de formas planas y eligiendo uno de los temas sugeridos (la música, la mitología clásica,  el desnudo o el retrato )    realice pequeñas esculturas exentas o maquetas realizadas con recortes o planchas  de  cartón , cartulina o  poliestileno,  tomando como ejemplo trabajos de artistas de la talla de  Picasso,   Naum Gabo,  Chillida, Oteiza o Pablo Gargallo  en su etapa”cubista”,  todos ellos especialistas en utilizar  el vacío  y los espacios negativos en sus obras.

Precisamente de éste último escultor, Pablo Gargallo,   nos interesa mucho  desde el punto de vista pedagógico  su proceso creativo mediante su forma de elaborar  las maquetas,  que luego le sirven de modelo para sus esculturas forjadas en hierro o fundidas en bronce. Nos referimos a sus plantillas  de cartón con las cuales juega con  las formas y  los volúmenes, como los dos ejemplos que mostramos ,  plantillas utilizadas para las maquetas de sus esculturas “El gallo” y  “Violinista”.

Plantilla de cartón , Pablo Gargallo

Plantilla de cartón, Pablo Gargallo

Para ayudar a nuestro alumnado, le hemos propuesto algunos ejemplos inspiradores  de artistas contemporáneos como  Picasso,  pionero en  la utilización de materiales ajenos a la tradición escultórica ( el cartón, materiales de desecho, latón, etc.)  y  en la exploración de nuevas formas  espaciales a través del cubismo y la multiplicidad de puntos de vista.

Escultura en cartón de Picasso

También les hemos propuesto como inspiración  los virtuosos trabajos de  Wrnking, autor de la obra que encabeza este post.  En su portfolio de Flickr  podemos ver además cómo trabaja, las herramientas que utiliza y las distintas fases que atraviesan algunas de sus elaboradas esculturas en cartón: máscaras, figuras, animales, etc.

Escultura en proceso de Wrnking, en Flickr

A nivel más abstracto también proponemos  ejemplos menos figurativos con cartulinas,  como los proporcionados en la web de L’IEDEM Barcelona  ejercicios más fáciles de realizar con planchas planas de cartón o de otros materiales sugeridos (madera, porexpan, plásticos rígidos,  etc.)

Maqueta de cartulina vía L’IDEM Barcelona

O algunos trabajos de Katharina Trudzinski con el que ves reproducido  a continuación

Escultura de KATHARINA TRUDZINSKI Ver su portfolio

En definitiva, una tarea creativa y abierta  en la asignatura de Volumen que nos está proporcionando interesantes propuestas escultóricas y  espaciales del alumnado,  de las que daremos cuenta más adelante en esta despensa, cuando recopilemos sus proyectos.

Cover edición 2014

Vamos a festejar la entrada número cien en nuestra Despensa con el Festival Internacional de Publicidad Cannes-Lions que se celebra anualmente en la ciudad francesa de Cannes y que va ya por la edición  número 61, que como reza su lema es un festival internacional de la creatividad.  Es uno de los festivales de publicidad más prestigiosos del panorama internacional y en él participan agencias de publicidad de todo el mundo, presentando sus piezas creativas en televisión, prensa, radio, publicidad exterior, publicidad interactiva y marketing directo. En este canal de Youtube Cannes Lions 2014 Best 100 están recopilados la mayor parte de los trabajos presentados este año y de otras ediciones.

Este año hemos podido ver fenómenos mediáticos como First Kiss, spot  creado inicialmente  para promocionar una marca de ropa en internet, que a los pocos días de subirse a Youtube,  ha  registrado más de 37 millones de visionados. Aquí cuentan su curiosa historia, toda  una lección de viralidad.

El caso es que lo  vamos a celebrar también  porque la publicidad española siempre ha estado  a la vanguardia y bien presente, habiendo obtenidos en la mayoría de las ediciones importantes reconocimientos y premios con grandes creativos y agencias de gran nivel rifadas para prestigiosas campañas internacionales,  en especial  en la de este mismo año 2014 con 30 premios cosechados, entre ellos a la agencia DDB Spain Madrid  por este comercial para la empresa automovilística,  que seguramente se recuerde la parrilla televisiva actual.

La publicidad es uno de los temas más fascinantes de cuantos engloban la materia de Cultura Audiovisual en el Bachillerato de Artes, a la que hemos dedicado dos grandes y sugerentes temas El poder de fascinación de la publicidad y Tipos de publicidad. No pocas tareas de las propuestas al alumnado de esta materia han versado sobre este tema y sorprendente ha sido siempre la respuesta de dicho alumnado ante los distintos retos que les hemos propuesto en tareas como “Mis Premios Sol y Sombra 2015 a la Publicidad”, “Publicidad contra Publicidad“ o  “Mi spot social” de cuyos trabajos  iremos dando cuenta a lo largo del curso.

Vamos a cerrar el post  precisamente con el  trabajo de Rubén, alumno  del pasado  curso,  para la tarea “Mi spot social” antes citada, que se completaba con una reseña en su blog y una memoria del proyecto donde debía argumentar el brieffing y contrabrieffing de su campaña social,  dando respuestas a cuestiones como  ¿A quién me dirijo? ¿Cómo es su relación con mi mensaje? ¿Cómo quiero que me vean?¿Qué quiero decir?¿Por qué me creerán? ¿Qué quiero lograr? ¿De qué medios dispongo? ¿Qué presupuesto tengo?

Malraux organizando su colección del Museo Imaginario | Archivo de iedaprofesores en Flickr bajo CC

En 1956  el escritor y aventurero francés André Malraux   -que llegó poco después  a ser Ministro de Cultura en el gobierno del General De Gaulle-   publicó una importante reflexión sobre lo que él llamó Museo Imaginario, que fue traducida  en ocasiones con el significativo título de “El Museo sin muros”  (aquí un extracto en PDF para quien le interese).

Malraux consideraba que ningún museo o, mejor dicho, que todos los museos del mundo no pueden sino dar una visión limitada de la cultura, ya que es imposible que un museo real contenga todas aquellas obras importantes de la Historia del Arte.

En un supuesto museo imaginario cualquier persona  tiene la posibilidad de reunir todas las piezas del puzzle con las obras de arte repartidas por todo el mundo y que, para su gusto, forman su museo ideal o imaginario: un museo sin paredes y sin límites, imposible en la vida real. Esa entonces quimérica aspiración global  -que Malraux intentó alcanzar con la fotografía-   hoy es posible a unos pocos clic de ratón con  internet   a través de  Google Art Project, Pinterest, Pictify  o Wikipainting,  por citar solo algunos portales o redes  de internet  de todos/as conocidas con importantes   colecciones de obras de arte  de todo el mundo. Y eso es lo que hemos propuesto a nuestro alumnado bajo diversos formatos más o menos colaborativos en distintos cursos.

Clica en la captura para acceder : Museo Imaginario de Dibujo Artístico . 2011/12

Originalmente lo propusimos en nuestra primera andadura en el Bachillerato de Artes  como tarea colaborativa en  1º de bachillerato de Dibujo Artístico con un muro en  la aplicación llamada  Walwissher   ahora  remodelada como  Padlet;  luego, en el siguiente curso,  ya a título  de tarea personal   mediante  tableros  en Pinterest  de sus porfolios de aula ,  como por ejemplo, el Museo Imaginario de Eduardo, de Yanira  o el de Verónica (captura de abajo),  cuyas obras fueron recopiladas  junto a las de sus compañeros/as  en un único tablero como Museo Imaginario de todo el curso.

En 2º bachillerato, retomamos estos dos últimos  cursos  nuevamente la idea del Museo  Imaginario pero esta vez de forma de tarea realmente colaborativa “Seguimos construyendo un Museo Imaginario“,  más  interactiva y audiovisual,   a través de la interesante aplicación de VoiceThread, donde los/las  estudiantes aportan  dos obras al museo y la comentan y justifican  mediante textos,  grabaciones de voz,  vídeo con su webcam   o incluso añadiendo música  o canciones a las obras.  Esto le da le valor añadido de poder ver  y escuchar la voz de nuestros alumnos ( algo que se agradece en nuestra modalidad de enseñanzas online)  y su imaginario artístico y estético.  Aparte , deben también comentar en algunas de las  aportaciones de sus compañeros/as.  Es interesante y enriquecedor  observar las distintas apreciaciones  y valoraciones estéticas o personales que el alumnado puede hacer de una misma obra. Igualmente se abre esta tarea   a la participación del profesorado (con su cuenta de VoiceThread)   que quiera comentarles  en algunas de las obras  ya subidas. Dejamos a continuación una captura de  Voicethread para que haciendo clic  sobre ella se acceda a pantalla completa a nuestro museo imaginario.

Nota:  La reproducción se inicia sola . La barra verde de abajo indica el tramo  de tiempo de  las distintas intervenciones (audio, texto o vídeo) realizadas en cada diapositiva, que se corresponden con los/las usuarios que aparecen a la izquierda, de arriba a abajo. Podemos saltar de una intervención a otra, si queremos. Se pueden pasar las diapositivas con las flechas  (izquierda o derecha) o se pueden ver todas y acceder directamente a la que queramos haciendo clic en el icono entre los dos cursores. Para comentar hay que hacer clic en la pestaña circular con el símbolo “+” que aparece abajo en el centro  de cada diapositiva.

Aunque no exactamente se correspondiera con el concepto de  Museo Imaginario,  otra tarea similar  que se le propuso al alumnado   en cursos pasados  era  “De profesión,  galerista”  donde debía  actuar como comisario/a  o curator /a   de arte   para diseñar y montar una exposición virtual  temática  o imaginaria  con los fondos de la entonces recién estrenada Google Art Project o en su versión más reciente durante el pasado curso en 2º de Bachillerato,  con Pinterest.  Estas selecciones  se acompañaban  con una memoria o corpus teórico del proyecto expositivo. Dejo algunos ejemplos en ambas modalidades:

Con Google Art Project (curso 2011/12):

• Luz de luna es el proyecto curatorial de Esther,  con los colores de la noche como hilo conductor.
• Los enfoques donde Elisabeth nos proponer un recorrido por otras de distintos artistas  que abarcan desde el s. XVII hasta el s. XIX. Con sus propias palabras
  “He decidido escoger lo multicultural en cuanto a artistas, para mostrar las distintas formas que cada artista tiene de ver y de representar un objeto, un paisaje, una persona,…”
• Artistas, la otra mirada donde Héctor nos propone que disfrutemos  a través de su exposición de  “tres grandes artistas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, se trata de Van Gogh, Munch y Cezanne. Tres genios que revolucionaron nuestro tiempo como pocos han hecho. Incomprendidos en su época, son hoy algunos de los pintores más admirados y queridos por todos. Rebeldes frente a los cánones pictóricos de su tiempo, desarrollaron un universo propio. Hombres de gran humanidad y sensibilidad que encontraron en el arte la manera de expresar sus emociones”.

Con Pinterest (curso 2013/14),  selección de algunos proyectos expositivos : 

• “Mujer, bello tema histórico” de Puri
• “La inspiración en la muerte” de Eduardo
• “Lectoras de pintura” de Ana Rosa
• “Genialidad y locura” de Bea
• “Evolución de la abstracción” de Manuel
• “Expresionismos“ de Yanira

En definitiva, una tarea que ha gustado al alumnado en sus distintas versiones y les ha enseñado  tanto a esclarecer sus gustos y criterios artísticos como a saber expresarlos.

La acuarela es una técnica muy versátil con la que podemos trabajar de muchas maneras y obtener  vistosos efectos cromáticos y texturas. Eso sí, es una técnica exigente y requiere mucha determinación y oficio para sacarle el máximo partido. Con la acuarela podemos hacer dibujos muy realistas o por el contrario, dibujos muy sueltos donde la mancha, las transparencias y el color son los protagonistas, casi rozando a veces la abstracción, como la marina mostrada a continuación.

“Marina” acuarela de Carmen Mogollo. Ver su galería de acuarelas

Pedro Villarrubia es un profesor de arte y excelente dibujante y acuarelista que comparte generosamente su trabajo en Flickr, donde podemos disfrutar de muchos de sus álbumes y cuadernos de dibujos a la acuarela.

Caleta de Famara (2012) de Pedro Villarrubia, ver su galería en Flickr

En una acuarela el blanco del papel y su textura o gramaje  son elementos  muy importantes y hay que tenerlos presente, según  lo que queramos pintar y cómo.  En la web de  recursos y materiales artísticos  de   TotenArt encontramos  bastante información sobre los papeles de acuarelas disponibles en el mercado (marcas, precios, gramajes, etc.) y sobre técnicas, utensilios y complementos

Los papeles de acuarela han de ser de un gramaje especial

El caso es  que en estos día trabajamos en Dibujo Artístico II con la tarea “Claroscuro, luz y color” donde nuestro alumnado debe enfrentarse al dibujo del natural y a retos artísticos como componer un bodegón,    entender la importancia de la iluminación o  realizar valoraciones tonales de color  con acuarela o témperas atendiendo a los principios del claroscuro.   Por lo que me comenta mi  alumnado, la acuarela es una técnica nueva para una gran mayoría y no saben muy bien como utilizarla, de ahí la necesidad de publicar este post.

Ejercicio a la acuarela de Yanira, curso 2014/15

A continuación  dejo, con vistas a la tarea antes mencionada,  algunos ejemplos de estudios de  bodegones realizados a la acuarela tanto por artistas más o menos profesionales como por estudiantes de arte,  donde podemos apreciar lo anteriormente comentado, esto es,  la enorme versatilidad de esta milenaria técnica, desde la frescura de la mancha al realismo más tradicional.
Ejemplo 1: 

Ejemplo 2

Ejemplo 3

Ejemplo 4

Ejemplo 5

Y para cerrar , aunque en Youtube podemos encontrar infinidad de tutoriales, lo hacemos con éste donde  su autor nos explica de forma fácil cómo dar nuestros primeros pasos  con la acuarela, empezando por cómo montar el papel.

Toca tomarse el merecido descanso navideño tras un trimestre intenso tanto  en el IEDA   como en esta despensa,  casi a la vuelta de la esquina de cumplir sus dos añitos en la blogosfera .  Y nada mejor que hacerlo con arte, con mucho arte , con “Tempo de Nadal, tempo de dar vida aos nosos soños”  fantástico cortometraje de videoanimación realizado  por el alumnado de Dibujo Artístico del centro  gallego IES as Barxas, bajo la batuta de la compañera y gran ilustradora   Luz Beloso,  profesora de la que ya hemos hablado en nuestra despensa en más de una ocasión , en especial de sus geniales  proyectos audiovisuales y artísticos recogidos  tanto en su interesantísima web de recursos sobre animación  Frame by Frame como en  el blog Aul@Animada  del que destacamos esta preciosa animación igualmente realizada por su alumnado inspirada en la artista Frida Kalho.

Así que,  tomando prestado de la compañera  Luz Beloso  y sus alumnos este gran trabajo, desde nuestra  despensa igualmente os deseamos  unas merecidas vacaciones y felices fiestas navideñas …

TEMPO DE NADAL from EduPlástica- Luz Beloso on Vimeo.

Como quien no quiere la cosa,  en estos días aún de resaca navideña  y hace dos años,  abría sus puestas nuestro blog de la Despensa de Leonardo.  A pesar de que n siempre disponemos del tiempo que quisiéramos,   atrás quedan  más de 105 entradas ,   unas 73.000  visitas  y muchos comentarios   que agradecemos sinceramente, ayudándonos a continuar esta aventura. Porque quedan también momentos para el recuerdo  como la Peonza de Oro en los VII  Premios Espiral Edublogs en la categoría de blogs colectivos de profesores,  por el prestigio que estos premios tienen en la blogosfera educativa.

Compañeros de Departamento curso 2012/13

O  más recientemente  nuestra participación   en forma de charlas y talleres en la prometedora  I Bienal  de Arte y Escuela de la Axarquía de Málaga .

Taller de audiovisuales impartido  en la I Bienal de Arte y Escuela a alumnado  porocedente de distintos centros educativos andaluces

Aprovechamos para agradecer la confianza depositada y es nuestro afán seguir compartiendo nuestro trabajo y cuantos recursos ayuden a nuestros alumnado del bachillerato de Artes y si de paso es de utilidad a nuestra comunidad y colegas, pues tanto mejor.

Compañeros del IEDA posando con el collage de  “MásArtísticas”

Un nuevo año en que seguiremos aportando nuestro granito de arena y  reivindicando el lugar que corresponde a las enseñanzas artísticas, porque creemos  en el valor formativo de las artes y como recogíamos en nuestro Manifiesto en defensa de  la educación artística, seguimos creyendo que

Las enseñanzas artísticas ocupan un lugar fundamental en la educación de nuestros niños y jóvenes. Completan una dimensión importante de su personalidad y ayudan a adquirir capacidades que no sólo inciden en el aspecto sensible o artístico, sino que entran en relación con el resto de ámbitos del saber y promueven así el pensamiento crítico y aprendizaje significativo e interdisciplinar.

Y como obsequio y gratitud a quienes se han prestado llegar hasta aquí y toda vez que  el nombre de nuestro blog rinde tributo al gran  Leonardo Da Vinci, dejamos  esta presentación  que hemos realizado durante el curso pasado  con algunas de las  curiosas versiones  de uno de los dibujos más universales de Leonardo Da Vinci, el Hombre de Vitrubio.

Ver/descargar   imagen en Pinterest | Autor: Manuel Pérez   bajo CC

Los artistas y docentes de enseñanzas artísticas,  uniéndonos al clamor internacional,   lloramos a las víctimas del atentado terrorista que ha matado a 12 personas (entre ellas a  4 reconocidos dibujantes franceses :  Cabu,  Tignous, Charb  y Georges  Wolinski)  y ha herido  a otras  11,  cuatro de ellos graves, en la sede del semanario satírico francés Charlie Hebdo.

Por tanto,  compartimos con este post  y la ilustración de arriba  nuestra repulsa más enérgica  a semejante barbarie integrista , así como nuestra  solidaridad con  las víctimas y  en general contra cualquier  demencial o  sangriento ataque fundamentalista  a la libertad de expresión,  en cualquiera de sus manifestaciones o formas.

Ilustración de Nono en The Télégramme (@LeTelegramme)

Y duele especialmente porque , como anticipábamos,  cuatro de las al menos doce víctimas mortales del atentado terrorista de este miércoles contra Charlie Hebdo en París eran dibujantes irreverentes,  fieles defensores de la libertad de expresión y pesos pesados del semanario. Vamos a recordarles y rendirles su merecido tributo a su valentía en defensa de la libertad de expresión:

Stéphane Charbonnier, conocido como Charb,  era el director de la publicación desde 2009. Tenía 47 años. Había trabajado también para L‘Écho des savanes, Fluide Glacial o L’Humanité.  Su rúbrica en Charlie Hebdo se titulaba “A Charb no le gusta la gente”. Declaró en una ocasión: “no tengo ni esposa ni coche, y prefiero morir de pie que vivir de rodillas”.  LLevaba escolta de protección que por desgracia también falleció en el atentado.

Charlie Hebdo junto a un ejemplar del semanario

Jean Cabu, creador del personaje de Grand Duduche, era uno de los cofundadores de Charlie Hebdo.  Trabajó en HaraKiri, precursora de Charlie Hebdo en los años sesenta, y Le Canard Enchainé,  así como en diversos programas de televisión. Tenía 76 años.

Viñeta de Cabu

Georges Wolinski era también cofundador y el veterano del grupo. Había nacido en Túnez hacía ochenta años. Sus trabajos comenzaron a conocerse en mayo del 68. Entre otros, publicó en Le Nouvel Observateur y Paris Match. Sus dibujos también aparecieron en numerosas campañas publicitarias.

Viñeta de Wolinski

Bernard Verlhac, conocido como Tignous, tenía 57 años. Sus dibujos se pudieron también ver en publicaciones como Marianne y Fluide Glacial.

Viñeta de Tignous

No  hace mucho nos hacíamos eco en esta despensa del difícil  (y peligroso) oficio del humorista gráfico en  nuestro país a través del post  Dibujantes frente al poder   que no hace sino confirmarnos y hacernos reflexionar sobre el hecho de que el dibujo humorístico o satírico es , como decía mi colega docente  Ángeles Saura,  un arma poderosa  para la transmisión de ideas y el  sano ejercicio de un pensamiento crítico, como  ha quedado TRISTEMENTE demostrado con el brutal atentado contra el semanario satírico francés. Por tanto, estamos de luto en esta despensa,  estado que refleja magníficamente bien el siguiente logo,  que podemos usar como avatar en nuestras  redes sociales…

En estos días estamos trabajando tareas en Dibujo Artístico II   tanto alrededor del concepto o idea  del retrato  como   sobre la apropiación y la reinterpretación de obras de arte o personajes históricos en tareas como “Mi relectura artística”,  así que el trabajo de este artista japonés Yasumasa Morimura (Osaka, 1951)  no puede ser más apropiado para aunar o ejemplificar  estas dos ideas o conceptos claves en el arte contemporáneo.

An Inner Dialogue with Frida Kahlo (Hand Shaped Earring), 2001 Fotografía color 120 x 100 cm.

A través de sus  autorretratos fotográficos el artista japonés Yasumasa Morimura  se ha transformado en personajes reales como las actrices  Audrey Hepburn o Greta Garbo,   ha hecho incursiones en la historia reciente mediante el  icónico Che Guevara o el asesino de Kennedy,  Lee Harvey Oswald.

A Requiem: Infinite Dream / CHE 2007, fotografía, 120 x 96 cm

De esta forma se inmiscuye en el “santoral” de Occidente y roba las señas de identidad de grandes iconos culturales e históricos de un modo caricaturesco pero efectivo: convirtiéndose en el rostro protagonista de siglos de memoria visual por lo que igualmente nos resulta interesante desde otras materias como Cultura Audiovisual.

Nos interesa especialmente su serie Art History  (Historia del arte)  donde aglutina las fotografías en las que este artista escenifica con sumo detalle algunas de las obras de arte más destacadas de la pintura europea.

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Personificando a las pálidas jóvenes de Vermeer,  a los girasoles de  Van Gogh  o a las muchachas de los cuadros impresionistas de Manet,  el autor crea  a través del autorretrato un contraste que revela precisamente las cuestiones políticas,  de sexualidad y raza que van unidas al arte a lo largo de la historia,  pues Yasumasa no solo juega con los significados artísticos sino también de género,  al adoptar papeles femeninos para sus series  de personajes femeninos como Mona Lisa,  Frida Kahlo o la Olimpia de Manet, entre otras.  Este aspecto del género en la representación artística no lo hemos pasado por alto  e incluso hemos considerado necesario  dedicarle todo un tema de nuestros contenidos en este segundo trimestre:  El cuerpo como territorio. 

Selección de obras de Yasumasa Morimura inspiradas en conocidas obras de arte

Fotografía de Yasumasa Morimura frente a una de sus “apropiaciones” de Dalí

Collage para la publicación La Maleta de Portbou (2014)

Sean Mackaoui (Lausana, 1969) es un artista anglo-libanés residente en Madrid dedicado profesionalmente a la ilustración gráfica, siendo colaborador de reconocidas revistas y publicaciones  como Elle,  Vogue, El Europeo, El Canto de la Tripulación, Rolling Stone España o El País de las Tentaciones,  entre otros espacios.   En su curiosa página web  (http://www.mackaoui.com/)  podemos disfrutar de  su multidisciplinar  universo gráfico. En algunos medios lo han definido con el significativo  “rey de la tijera obrera”.

Collage (2014)

En  los trabajos de Mackaoui podemos encontrar algunas influencias de maestros de las vanguardias como Kurt Schwitters, Marcel Duchamp o Man Ray y por supuesto pinceladas de  “magos de la imagen” españoles como   Joan Brossa,  Isidro Ferrer o Chema Madoz,  este último muy apreciado en esta despensa y al que ya le dedicamos  esta entrada.  Como ellos,  maestro de las metáforas a través de las imágenes y las esculturas gráficas. Sabe darnos atisbos de humor y de poesía en sus composiciones mínimas, privadas, casi íntimas, que se articulan sobre dos ejes fundamentales: collage y ensamblaje. Pegando recortes de revistas, periódicos o palabras encontradas, Mackaoui crea collages con los que –a través de la combinación de elementos a primera vista incongruentes– pone al descubierto nuevos significados y lecturas.

Sean Mackaoui  “Ensamblaje”

También emplea en sus ensamblajes formas de tres dimensiones –combinando materiales de desecho o simples restos, mediante las cuales construye pequeños objetos, máquinas alucinantes que se mueve y funcionan con una lógica propia. Interesante también su labor pedagógica a través de la impartición de talleres sobre el collage,  como el realizado en el Círculo de Bellas Artes de Madrid o  algunas Escuelas de Arte y Diseño.

Mas info:
La  aventura del saber. Boek Visual. RTVE a la carta

Steven Spazuk es un artista canadiense que ha desarrollado una técnica muy peculiar: pinta con humo.  Aunque  no es el primero ni mucho menos en hacer uso del fuego y del humo  con intenciones artísticas. De hecho,  el  “fumage”  es una vieja  técnica surrealista inventada por Wolfgang Paalen en la que las impresiones están hechas por el humo de una vela o de una lámpara de queroseno en un pedazo de papel o lienzo en blanco o pintado. Más tarde fue empleado   por Salvador Dalí,  quien lo llamó “sfumato”.   El inquieto y polifacético artista conceptual   Yves Klein  también experimentó  en  los años 6o  con el fuego en sus lienzos y en muchas de sus famosas performances.

Yves Klein en una de sus performances con fuego

Otros artistas contemporáneos  han continuado experimentado con el humo en sus lienzos ,  como Jiri Georg  Dokoupil  que en los años 90 produjo una gran serie de obras realizadas con esta técnica.

El caso de Sparzuk es distinto.  Lo suyo ha sido  un lento  pero fructífero dominio de la técnica hasta producir obras y dibujos  realmente espectaculares, con un algo grado de realismo.  Como muchos otros, comenzó dibujando con técnica tradicionales como la acuarelas y pintura acrílica hasta que en el año 1980 empezó a usar el aerógrafo. Fascinado por la capacidad que le ofrecía esta técnica de generar degradados,  en el año 2001 le surgió una idea:  ¿Qué pasaría si expusiera un lienzo al fuego y controlase la impresión de hollín que éste deja sobre la superficie? Desde entonces hasta hoy , ha estado experimentando y perfeccionando esta técnica, usando  plumas  de aves y otros utensilios  a modo de pinceles, como se aprecia en el siguiente vídeo.  

Podéis ver más obras de Steven Spazuk en su web personal. Dejamos a continuación una muestra de su curioso y peculiar  trabajo con el fuego.

Imagen vía Area Visual

Imagen vía Área Visual

Imagen vía Área Visual

Otros artistas contemporáneos también usa el humo y el fuego en sus obras, como las curiosas  botellas decoradas de Jim Dingilian.  Sobre la técnica del “fumage”  en esta página encontréis  bastante documentación  e  incluso enlaces a tutoriales para pintar con humo . ¿Quién se anima?  Eso sí, tengan un extintor a mano …

Vista de la exposición . Vía MNCARS

Traemos a la Despensa  la reseña de una interesante  exposición temporal  en el Museo Centro de Arte Reina Sofía de Madrid llamada Un saber realmente útil  ( que estará abierta  hasta el próximo 9 de febrero) en la que a través de obras de pintura, fotografía, vídeo, murales e instalaciones de una treintena de artistas se propone reflexionar sobre los nuevos modos de aprendizaje y enseñanza recíprocos. Esta muestra  se engloba en el marco del proyecto “Los usos del arte“ de la red de museos europeos L’Internationale.

Acciones públicas para saberes realmente útiles. Diego de Pozo, Susurradoras, 2014

Interesante evidentemente  desde el punto de vista educativo  porque  bajo el enunciado ¿Por qué es útil aprender juntos?  se propone,  como leemos en su programa,   “un itinerario abierto que recorre algunas de las iniciativas presentes en la muestra cuyo denominador común es la voluntad de generar espacios de encuentro entre el arte y la educación formal y no formal que propicien procesos de co-aprendizaje, sin hacer distinción entre enseñantes y enseñados.  Así, el sentido del aprendizaje parte de una conciencia colectiva de los espacios, los bienes y los saberes que dé lugar a nuevas formas de politización  de la vida en común”.

En la web del Reina Sofía  presentan y argumentan así esta exposición (cita textual):

“La noción de un “saber realmente útil” surge a principios del siglo XIX junto con la conciencia obrera acerca de una necesidad de auto-educación. En las décadas de 1820 y 1830, las organizaciones obreras del Reino Unido introdujeron esta frase para describir un cuerpo de saberes que abarcaba varias disciplinas “no prácticas” tales como la política, la economía y la filosofía, en oposición a los “saberes útiles” pregonados por los patronos, quienes tiempo antes empezaron a aumentar la inversión en el avance de sus empresas a través de la financiación de la educación de los obreros en habilidades y disciplinas “pertinentes” como la ingeniería, la física, la química o las matemáticas.  En esta referencia a las olvidadas luchas de clase del capitalismo temprano, el título de la exposición sugiere una indagación en un “saber realmente útil” desde una perspectiva contemporánea.”

La muestra intenta posicionar la noción de pedagogía crítica como un elemento crucial en las luchas colectivas, así como investigar la tensión entre la emancipación individual y la emancipación social a través de la educación, en ejemplos tanto históricos como actuales, y su relación con formas organizativas capaces de liderar una resistencia unificada a la reproducción del capital.  Al hacerlo, la exposición insiste en el uso colectivo de recursos, acciones y experimentos públicos, bien olvidados o bajo amenaza de erradicación, tomando el museo como lugar pedagógico dedicado al análisis de formas artísticas interconectadas con relaciones sociales reales o deseadas.

Esta idea de la construcción colectiva de un conocimiento útil a través de redes y utilizando las  artes como vehículo de indagación en las identidades locales,   la hemos intentado llevar a  a la practica en distintos  proyectos colaborativos en nuestras  enseñanzas artísticas  como el Museo  Imaginario  o  en  tareas individuales como “En busca del arte popular andaluz” donde el alumnado de Dibujo Artístico debía indagar y reflexionar sobre las prácticas artesanales de su zona o localidad a través de distintos formatos extra-artísticos donde incluso se planteaba la entrevista, el trabajo de campo de antropología o  la investigación periodística  como recurso, propiciando al final la reflexión y la crítica, así como un acercamiento a determinados aspectos de su propia cultura intentando dar respuestas  a cuestiones tales como ¿De qué forma ha cambiado tu percepción del arte popular y la artesanía tras esta tarea ?¿Qué has descubierto o te ha sorprendido mientras la realizabas? ¿Algo que te haya llamado poderosamente la atención?, ¿Qué importancia crees que tiene el dibujo en la formación y aprendizaje de los artesanos? o ¿Qué es lo que- según tú- diferencia al arte popular del arte, digamos, culto?

En Pinterest  ( por ejemplo este trabajo de Héctor) y otras redes sociales o herramientas de la web social se recogieron algunos  de aquellos  proyectos del alumnado junto a sus memorias y reflexiones,   como la  de  Manuel Pérez Durán  en el pasado curso,  que aparece resumida en el texto que sigue a  su presentación,  los frutos de su  investigación y posterior  reflexión sobre la artesanía granaína.

Con la elaboración de esta tarea, me he dado cuenta de que tenemos que procurar, cueste lo que cueste, no perder labores artesanas  como la anea, la taracea, la fajalauza, etc. Son señas de identidad de nuestra cultura. Cuentan nuestra historia y deben seguir haciéndolo,  pase el tiempo que pase.

La realización de esta tarea me ha servido para conocer un poco más profundamente algunos  de los oficios artesanos más bonitos de la provincia de Granada. Me he sorprendido, por ejemplo, del arduo trabajo que  supone crear una obra en taracea. O, profundizando en la cerámica de fajalauza, he descubierto cual es el color original de dicha cerámica, ya que hoy en día, existen numeras tonalidades de colores en este tipo de azulejería y cerámica.

Poniendo de ejemplo artesanías como la taracea, sería imposible realizar dicho trabajo sin un dibujo o diseño previo. Esta artesanía se caracteriza por el encastrado de piezas de diferente origen, por lo que previamente se tienen que haber preparado y pulido. Si no hubiera un diseño previo, sería imposible elaborar las obras de arte que podemos ver hoy en día.

La principal diferencia del arte popular con el resto de expresiones artísticas es que nace de labores cotidianas del día a día. Con el esparto, se hacían canastas, serones, capachas, etc. La cerámica de fajaluza se utilizaba principalmente para elaborar vasijas que se utilizaban en el día a día. Es un arte que nace de la necesidad del pueblo por crear utensilios para mejorar  su “calidad de vida”.

Como ya he dicho antes, hay oficios artesanos que tienen poco o ningún sentido en la actualidad. Con la aparición del plástico, nadie “echa culos de anea” a las sillas. Igual pasa con la taracea, es un tipo de artesanía que tiene un público muy especifico. Hoy en día, casi nadie utiliza ya este tipo de utensilios, si no es para adornar.

En esta tarea he intentado reflejar los tipo de arte más populares de la provincia de Granada. He querido introducir el labrado de palmas blancas para el Domingo de Ramos, porque mi madre participa en uno de los talleres que las realizan en Montefrío. En la elaboración de las palmas de este año, han sido numerosos medíos de comunicación los que se han interesado por este tipo de arte, más contando con que son personas mayores y sin ninguna formación previa.

El resultado obtenido en la tarea ha sido bastante satisfactorio. Creo que he conseguido plasmar los tipos de arte popular granadino, y andaluz, más representativos.

¿Qué pasaría si   juntáramos a dos artistas  de épocas distintas y distantes en el tiempo y  les propusiéramos   el reto de hacerse un mutuo homenaje re-interpretándose  el uno al otro,  cada cual según su propio y reconocible estilo? En verdad,  esto no es nada nuevo:    homenajes y tributos  se han hecho siempre entre artistas,   como la serie de Las Meninas realizada por  Picasso o  los  cientos,  miles  de  versiones  ( y perversiones de todo tipo)  que se hacen  de  los grandes iconos del arte  universal como la Gioconda  o El Hombre de Vitrubio.

Ese mirar atrás y aprender sanamente y sin complejos  de otros  maestros a través de sinceros  homenajes o “tributos”  siempre ha sido y es  una buena práctica en el aprendizaje  artístico. Las obras más importantes son aquellas que con el paso del tiempo siguen generando nuevas lecturas.  Artistas como  Dalí estaban obsesionados con ciertas obras  como el Ángelus de  Millet,  de la que hizo muchas versiones  o el  Equipo Crónica   apropiándose de forma iconoclasta  y contemporánea   de  conocidas obras de arte,  como en esta pieza  donde podemos ver  mezclados a Velázquez con iconos del  pop   Warhol o Roy Lichtenstein.

Equipo Crónica

Pero ¿qué pasaría  si se mirase,  como metidos en una máquina del tiempo,   hacia el futuro?  ¿Si los artistas del pasado pudieran hacer obras al estilo de otros artistas  o en otros contextos que, evidentemente,  nunca llegaron a conocer?  ¿Qué pasaría, por ejemplo,   si Leonardo  trabajase como asesor artístico  para  George Lucas en su saga de la Guerra de las Galaxias ? Pues a lo mejor , cosas como ésta

Personaje de George Lucas según Leonardo

Ver de otra manera,  hacer posible  lo  inverosímil  a través de  viajes artísticos  en el tiempo para juntar a parejas peculiares,  es decir,   que un pintor de una  época anterior  imagine o interprete su  propia obra en manos de un artista moderno.   Por ejemplo,  si se le pidiera a Van Gogh  interpretar a la Gioconda  de  Leonado Da Vinci, aunque nunca se dio el caso,   sería  lógico cronológicamente y fácilmente ejecutable con un poco de imaginación  y retoque digital…

Pero  ¿Y si se le pidiera a  Velázquez  pintar una conocida  obra suya  en versión monocromática  con  el famoso azul fluorescente creado y  patentado por  el artista conceptual francés  Ives Klein?   Esto último no es cronológicamente lógico pero  sí podemos imaginarlo   porque es precisamente   lo que  ha hecho Eduardo  en su  tarea como postal-tributo. Fácil técnicamente de ejecutar,  pero  difícil de concebir como idea o como posibilidad real . Toda una declaración de arte conceptual,  por otra parte. Y de eso se trata…

“Maja Klein”    |  Postal de  Eduardo (2014/15)

¿Qué pasaría si nuestro original y creativo trabajo fuese, además,  el encargo de un conocido museo que   para  su décimo aniversario  quiere lanzar  una colección de tarjetas postales de tributos artísticos para vender en la Tienda de Souvenirs de dicho museo?

Pues ése era  el inusual  reto de la tarea propuesta al alumnado de  Dibujo Artístico  llamada “Postales con  Arte”  de la que vamos a mostrar algunos de los trabajos presentados  durante el pasado curso y el presente,  sorprendiendo algunos  por lo arriesgado y calidad de sus propuestas, así  como  la evidencia del buen  y creativo manejo de programas de edición gráfica como GIMP recomendado como recurso para esta tarea .

Por ejemplo ¿Que pasaría si una buena mañana  el gran pintor veneciano  Tintoretto  quisiese hacerse  un  retrato al estilo atormentado, nada y nada menos que de Francis Bacon?  Pues eso mismo se  preguntó  Rubén Jiménez  y ésta   fue su  respuesta en forma de postal

Autorretrato de Tintoretto al estilo Bacon | Rubén Jiménez  (2013/14)

¿ Que pasaría si otra mañana el gran maestro de Renacimiento  Leonardo Da Vinci  tomara como modelo al  “Muchacho desesperado” del maestro francés  del realismo  Courbet?  Pues  seguramente algo muy parecido a lo que,  con tanta precisión  documental y dibujística ,  imaginó y recreó para su postal Alejandro Simón.

Courbet según Leonado Da Vinci | Alejandro Simón Ávila (2013/14)

¿O si  un Boticcelli  teletransportado  al siglo XX se hubiese pasado por la factoría de Andy Warhol a realizar una serígrafía  de  un detalle de una de sus más conocidas obras como “El nacimiento de Venus”  al más puro estilo Pop Art ?  Esto ya es más fácil de adivinar,  pero muy  bien resuelto gráficamente con GIMP  en este pulcro trabajo de “apropiación” estilística de Clara María.

Warhol segú Botticelli | postal de Clara María Villalba (2013/14)

O esta sorprendente y moderna  propuesta de Esther,   donde un enigmático y escurridizo artista callejero  que firma como  Banksy Velázquez   podría haber dejado este satírico  graffitti  en protesta por una supuesta corrupción papal  del Vaticano  en el muro de una de las calles de la Roma de  Inocencio X .

Banksy en tiempos de Inocencio X  | postal de Esther ( 2012-13)

¿O qué pasaría  si la  cándida “ joven de la perla”  de Vermeer se diese un paseo por los atormentados paisajes nórdicos de Edvard Munch?  Tamara  lo imaginó así

Munch según Vermeer | de Tamara Lara (2012/13)

 Más trabajos en Pinterest:   Postales de tributos artísticos

La parte gráfica de esta tarea  se completaba con una ficha de trabajo incluida en las instrucciones de la tarea   que cada alumno debía descargarse y completar documentalmente  con una breve reseña de los artistas seleccionados para su postal  y sus técnicas ,  así como una valoración personal  del aprendizaje realizado porque nos interesa especialmente este aspecto de indagación documental y reflexiva,  no solo el producto final.   Por ejemplo, este extracto  de la memoria de Rubén Jiménez  sobre su postal de Tintoretto según Bacon mostrada más arriba :

Razona o fundamenta tu elección  de los dos artistas que has utilizado para tu postal. Haz una breve descripción de la técnica y estilo de cada uno, época, circunstancias, etc.:

 He buscado la semejanza entre los dos artistas en los diferentes contextos históricos y culturales en que vivieron, y para ello, he elegido de entre sus obras dos autorretratos que ambos artistas realizaron en su madurez.

Francis Bacon, es un artista atípico que le ha tocado vivir en el siglo XX, una época en que el arte rompe con todo convencionalismo conocido. Él usa un estilo figurativo idiosincrásico y también experimenta con el cubismo y el surrealismo. Me he basado en una obra en particular, porque creo que un mismo artista experimenta diferentes estilos y técnicas a lo largo de su vida y sería erróneo limitarlo a uno. Su personalísimo estilo lo ha alzado a ser uno de los artistas más importante y cotizados del siglo XX.

 Por su parte, Tintoretto fue uno de los últimos grandes pintores de la escuela veneciana y su técnica particular con la que lograba dar gran luminosidad a sus obras, fue fuente de inspiración para el posterior movimiento artístico: El Barroco.

Haz una descripción detallada del proceso de elaboración que has seguido: dónde te has documentado,  técnicas gráficas, aplicaciones utilizadas, soportes, materiales empleados, etc.

  Aunque había otras opciones y se ofrecía otros programas para su elaboración, yo elegí Gimp2, porque ya tengo experiencia con el mismo, pero a su vez, es tan amplio que aún me queda por descubrir. En esta ocasión no quería usar filtros u otras funciones automáticas ya que, a pesar de que ofrecen resultados muy buenos para casi todo tipo de usos, quería experimentar y trabajar con los pinceles y otras opciones que ofrece el programa.

         Primero experimenté un poco con los diferentes tipos de pinceles y las opciones que ofrecen. Tras conseguir diferenciar unos de otros, abrí las dos obras en diferentes capas. Para obtener resultados similares, recogí color del autorretrato de Francis Bacon, algunos me sirvieron pero en la mayoría de los casos, el autorretrato de Tintoretto, pedía diferenntes colores.

  Para llevar a cabo el trabajo, he usado numerosos tipos de pinceles, tanto pre-diseñados  por el programa, como autorregulados por mí

Fuentes consultadas para mi  tarea:

http://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Bacon_%28pintor%29

http://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_veneciana

http://es.wikipedia.org/wiki/Manierismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Tintoretto

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=388

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=4

Haz una valoración personal sobre tu tarea: nivel de satisfacción con el resultado, tiempo que le has dedicado y principales dificultades encontradas durante su realización.

En general, el resultado final de la obra pictórica me ha dejado bastante satisfecho. Era algo arriesgado experimentar con estilos y técnicas tan radicalmente opuestas, pero quería probar y trabajar los diferentes pinceles que ofrece Gimp2.

 El total del tiempo usado para la tarea ha sido de unas cuatro horas y media, y las dificultades más importantes que he encontrado fueron las de manejar con solvencia los diferentes pinceles y encontrar los que se asemejaran a las pinceladas de Bacon o en otras ocasiones, modificarlos hasta conseguir el resultado buscado.

(Ruben Jiménez, 2014)

Dedico especialmente  este post a mis colegas que se reinventan cada día como docentes de materias artísticas,  musicales y escénicas  en sus aulas,  que consiguen prender la mecha del arte y la creatividad , aun a pesar de las  muchas limitaciones en medios,  de tiempos y espacios. 

Visitas guiadas para escuelas en el Museo Macay | Fotografía vía http://www.macay.org/

El Museo Fernando García Ponce,  también conocido  como Museo Macay es el único museo dedicado a la promoción y difusión del arte moderno y contemporáneo en toda la península de  Yucatán,  México.  Y si algo lo distingue y por lo que aquí en nuestra Despensa   nos interesa especialmente,  es su profunda vocación educativa,  atendiendo al año a más de 22 mil niños, a través de programas especiales, cursos, talleres y   visitas guiadas completadas con actividades y guías didácticas tanto para padres  como para el profesorado.

Todo un ejemplo a seguir por nuestros pequeños museos patrios o de provincias,  más dados en la mayoría de ocasiones  a  exposiciones  rimbombantes para cumplir el expediente cultural   pero vacías de verdadero sentido pedagógico con el que acercar el arte a un amplio sector de la población y en especial,  a las escuelas,  las familias  y  a los más pequeños.

Talleres artísticos del Museo Macay. Fotografía: http://www.macay.org/p/13/talleres-y-cursos

El Museo Fernando García Ponce-Macay cuenta con una Fundación Cultural  que tiene como  misión promover la difusión y el conocimiento del arte moderno y contemporáneo nacional e internacional. Por ello, cada tres meses, se renuevan sus 15 salas de exposición temporal al mismo tiempo, realizando alrededor de 45 muestras anuales, con un movimiento de obra de cerca de 2 mil piezas cada vez.

La Fundación Cultural  del Museo Macay  promociona también iniciativas culturales tan interesantes como   la Escuela Itinerante de Arte Xiimbalarte, que visita los 105 municipios del interior del estado alejados de las grandes ciudades y de los museos importantes,  atendiendo a 22 mil niños al año realizando talleres de arte, cine y literatura,  además de  dar atención educativa de manera continua a 15 mil niños.

Cuenta además con  presencia en las redes sociales (twitter y Facebook) ,   un blog (http://www.macay.org/),  un programa de radio  y  tvmacay,   un canal de vídeos en Youtube,   de donde hemos seleccionado  de su  Glosario   esta serie de  breves  vídeos (de poco más de  minuto y medio ) divulgativos para el gran público  sobre algunas de las técnicas artísticas  más  empleadas en el arte pictórico :  acuarela,  empasto,  ensamblaje,  action painting ,  gouache, etc.

Assemblage o Ensamblaje Artístico

Action Painting

Acuarela

Alla Prima

Gouache

Impasto

Doodle dedicado a la artista Niki de Saint Phalle (30/10/2014)

Desde esta Despensa entendemos que cualquier excusa o iniciativa es buena para promocionar y disfrutar el arte e incluso como inspiración para proponer tareas creativas  o proyectos de arte que motiven a nuestro alumnado.  Los doodles de Google son una de ellas. Por eso le dedicamos este post ,  en especial a los que este  famoso portal de búsquedas  ha dedicado a  artistas plásticos conocidos y  no tan conocidos ,  aunque también veremos otros sobre la música,  la ilustración  o el cómic.

Los doodles se conocen como los cambios decorativos que se realizan en el logotipo de Google  para conmemorar eventos, efemérides,  festividades y aniversarios de  las vidas de científicos,  escritores y de artistas famosos. Van generalmente acompañados de vínculos a  la información que tiene disponible Google en su archivo de datos y  siempre podremos ver de una forma más o menos reconocible las letras  o colores del ya universal   logo original.

Doodle dedicado al 150 Aniversario de Alejandro Volta, inventor de la pila

A lo largo de los años, los doodles  que “decoran” la página principal de Google han convertido las búsquedas en Google  en una actividad divertida y amena para los usuarios de todo el mundo. La primera vez que se crearon los doodles, nadie esperaba lo populares y esenciales que se convertirían para la experiencia de búsqueda en Google.  Hoy en día,   muchos usuarios esperan con entusiasmo la publicación de nuevos doodles y algunos incluso los coleccionan:   hay  muchas páginas en internet que los recopilan como ésta de Pinterest .  En no pocas ocasiones sorprenden por su originalidad y arte.  Todos los ya miles de  doodles creados hasta la fecha se pueden  visitar  en la página Doodles de Google.

Catálogo de doodles de Google

El primer doodle publicado por Google fue Burning Man, el 30 de agosto de 1998 y pasaron casi 2 años hasta que apareció (14 de julio del 2000)  el 2º doodle para celebrar el Día de la Toma de la Bastilla, de ahí en adelante han aparecido con regularidad estos logotipos alternativos, que van desde los diseños más sencillos, otros de gran contenido artístico, y otros tantos animados o interactivos que invitan a la participación de millones de usuarios de Google.

Doodle dedicado a la naturalista e ilustradora Maria Sibylla Merian

El caso es que  el equipo de los doodles siempre encuentra una forma artística de conmemorar eventos únicos, ya se trate del inicio de la primavera,  del aniversario del nacimiento de Albert Einstein, el  del 50º aniversario del descubrimiento del ADN  o el  doodle publicado el 8 de abril de 2012 que rinde un homenaje al famoso experimento “El caballo en movimiento” que Eadward J. Muybridge realizó  entre 1872 y 1878 para intentar averiguar si durante la carrera había algún momento en el que el caballo no tocase el suelo con ninguno de sus cascos. Elegantemente,  las  letras del famoso logo de  Google están sugeridas en  los colores de las pantallas.

Algunos son verdaderas maravillas interactivas que entusiasman a miles de usuarios/as,   como el doodle dedicado al  96 aniversario del nacimiento del músico de jazz estadounidense Les Paul, creador de la mítica guitarra eléctrica Gibson Les Paul,    donde , aparte de poder tocar las cuerdas del instrumento con el ratón,  te permitía grabar tu  pieza musical  y enviarla a Google.   Clica en la imagen para disfrutar del doodle original .

Doodle dedicado al músico Les Paul  9/6/2011

A lo largo del tiempo, la demanda de doodles ha aumentado considerablemente. Actualmente, se encarga de la creación de los doodles un equipo de ingeniosos diseñadores de la factoría Google.  Para este equipo, la creación de doodles se ha convertido en un esfuerzo conjunto para darle vida a la página principal de Google y divertir a los miles de usuarios de Google de todo el mundo.  Pero también abren la posibilidad a que los usuarios  hagan sus propuestas de doodles enviándolas  a la dirección de correo electrónico proposals@google.com.

Así que  esta idea muy posiblemente la extendamos a algunas de nuestras  tareas  tanto de Dibujo Artístico como Diseño o Cultura Audiovisual y quien sabe, a lo mejor algunas de las propuestas algún día vean la luz  en todo el mundo en forma de doodle . En  esta ocasión  y para abrir boca,  vamos a reseñar  solo algunos doodles, que como dijimos,  tienen alguna relación con nuestras materias del bachillerato de Artes, especialmente de pintores.  Bajo cada uno pondremos enlaces webs  a  distintos medios que se hicieron eco de cada uno de ellos en su día.

Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky, por su 148 aniversario 16/12/2014 | en la web

Jackson Pollock

Por el nacimiento de Jackosn Pollock | 28/01/2009 en la página principal de Google México | en la web

Rembrandt

407 aniversario  de Rembrandt Doodle del día 15/07/2013 | en la web

Juan Gris

En tributo a Juan Gris, doodle del día 23/03/2012 | en la web

René Magritte

Este doodle en realidad creo que no existió. Hay artistas e ilustradores que se inspiran  en los doodles  de Google , como Yulia Katkova que nos deja  en Flickr su particular  propuesta de  tributo al genial pintor surrealista René Magritte.

Pero éste  sí que fue doodle …

Hay  muchos más pero vamos a dejarlos para  este divertido test,  donde puedes  jugar a identificar al/la  artista a través del  doodle que en su día Google le dedicó. ¿Te animas?

Clica  en la imagen para acceder a la actividad